РУССКИЙ БАЛЕТ
Бакст, Шехерезада, 1911
Балет — национальная гордость русского народа и «визитная карточка» русской культуры. Родом из Италии и Франции, здесь он нашел свою «вторую родину». Именно в России традиции классического балета сохранялись и развивались для того, чтобы впоследствии снова быть представленными всему миру.
С особой тщательностью уникальный стиль русского балета был сформирован много лет назад (с 1738 года). Главной особенностью русской балетной школы является строгое следование академическим канонам. Именно академичность объясняет техническую сторону балетных постановок в России.
«Академический» танец обеспечивает надежную поддержку и подчеркивает
высокий профессиональный
уровень, умного и тонко чувствующего артиста балета.
Балет в России появился вместе с указом Петра I, согласно которому танцы стали основной частью придворного этикета.
Императрица Екатерина II оказывала всевозможное содействие новому искусству, благодаря чему русский балет в буквальном смысле твердо стоял на ногах. Первым хореографом стал французский танцовщик Артур Сен-Леон. Впервые зрители увидели на сцене настоящие водопады, электрические фонари, большие велосипеды и другие новаторские решения.
Начало ХХ века в России было отмечено общим революционным подъемом. Кардинально новый характер общества сказался на всем, что существовало в стране; в балете это проявилось в качестве новаторского поиска, желания преодолеть стереотипы и условности академического балета XIX века.
В начале ХХ века европейский классический балет начал исчезать. Первым на это обратил внимание Дягилев. В 1907 году в Европе он приступил к организации Русских Сезонов. Европейские издания с большим интересом отнеслись к балету в исполнении русских артистов, признавая, что у них не было раньше ничего подобного.
Русские Сезоны Дягилева начались еще в 1906 году, когда он устроил в Париже выставку русских художников. Заметив интерес публики, сначала он организовал оперное выступление, а в 1909 году в Париже был представлен балет. Дягилев показал пять классических постановок: «Павильон Армиды», «Половецкие пляски», «Пир», «Клеопатра» и «Сильфида». Все они были восторженно встречены публикой.
В 1910 году Дягилев поставил балет «Жар-птица». Музыку к нему написал молодой композитор Игорь Стравинский.
«Жар-птица» стал первым балетом с русскими национальными мотивами. Спектакль «Петрушка» на музыку Стравинского стал хитом сезона 1911 года.
В 1914 году любовь к России и всему русскому достигла апогея после премьеры балета «Золотой петушок». Постановку в авангардной живописной манере с «огненным» колоритом оформила Наталия Гончарова.
Сенсацией стало новаторское решение: балет совместили с элементами оперы. Эстетика этого спектакля открыла новый этап в истории дягилевских балетов: на смену модернизму пришел авангард.
В «Петрушке» никто не танцевал в привычном смысле слова как в «Спящей красавице». Герои исполняли драматические пластичные монологи и диалоги: балет смело отвергал все «красивое» и «элегантное».
Главная роль досталась талантливому танцовщику Нижинскому, который свел с ума публику в прошлом году в роли Золотого Раба в «Шехеразаде».
В «Петрушке» лицо звезды было покрыто уродливым гримом, на красавца-танцовщика натянули облезлый парик и колпак, засунули руки в неуклюжие рукавицы и не дали сделать ни одного прыжка, которыми славился Нижинский. Его герой был подчеркнуто безобразен, но это не помешало Нижинскому доказать, что он великий артист: его Петрушка сразил Чарли Чаплина и Сару Бернар.
В 1915 году полноценных сезонов не было, а в 1916 году Дягилев с труппой гастролировал по Америке. В Европу артисты вернулись с премьерой — балетом «Парад». Либретто написал Жан Кокто, музыку создал авангардист Эрик Сати, а хореографию — Леонид Мясин, молодой, но уже прославленный дягилевскими сезонами балетмейстер. В постановке в качестве театрального художника дебютировал Пабло Пикассо, он создал декорации и костюмы. Однако публика, в то время еще весьма консервативная, не сразу приняла эпатажный стиль нового спектакля.
В 1921 году Русские Сезоны настиг экономический кризис. Балет «Спящая красавица», привезенный Дягилевым в Лондон, был успешным, но не прибыльным. Доходы не перекрыли трат на декорации, аренду зала и переезды труппы. Узнав о судьбе самой красивой балетной труппы мира, на помощь импресарио пришла Коко Шанель. Она вложила в восстановление Сезонов колоссальные средства, а через несколько лет даже участвовала в постановках, создавая костюмы.
Новая звезда Русских Сезонов — хореограф Георгий Баланчивадзе (Джордж Баланчин). Именно Сергей Дягилев посоветовал ему представляться на европейский манер. Бывший ученик Театрального училища при Мариинском театре, Джордж Баланчин обновил для Дягилева «Песню соловья» и поставил спектакль «Барабо». Они вдохнули новую жизнь в балетную антрепризу. Баланчин работал с Дягилевым до конца Русских Сезонов, а потом переехал в США и основал Школу американского балета.
19 августа 1929 года Дягилев скончался в Венеции. На могилу композитора традиционно приносят записки на нотной бумаге, а Дягилеву несли балетные пуанты. Со смертью импресарио Русские Сезоны прекратились, но его антреприза навсегда осталась яркой страницей в истории мировой культуры.
Российский танцовщик и хореограф, новатор в танце. Один из главных солистов Русского балета Дягилева. Хореограф балетов «Весна священная», «Послеполуденный отдых фавна». В 1909—1913 годах был ведущим танцовщиком и балетмейстером труппы Русский балет Дягилева.
Самая узнаваемая за рубежом русская артистка балета, прима-балерина Мариинского театра в 1906-1913 годах, одна из величайших балерин ХХ века. «Умирающий лебедь» в исполнении балерины стал одним из высоких эталонов русской балетной школы.
Русский искусствовед, меценат, импресарио балета и основатель Русских Сезонов, из которых выросли многие известные танцовщики и хореографы. Инициатор создания журнала «Мир искусства»; был его редактором, а затем и руководителем. Писал статьи на тему истории искусства.
Фигура художника в Русских Сезонах была если не главной, то, пожалуй, равной по значимости фигуре композитора. Объединение движения и цвета, различные попытки увидеть его в динамике, новое применение сочетания света и тени, игра с цветом и различными текстурами для костюмов, ткани вывели постановки антрепризы на новый художественный уровень.
С Дягилевым сотрудничали самые влиятельные художники начала ХХ века: Бакст, Бенуа, Матисс, Пикассо, Брак, Гри, Гончарова, Ларионов и многие другие. Это вывело их творчество за пределы художественных студий, совершив революцию в области театрального дизайна, который раньше оставался инертным и второстепенным направлением в искусстве.
Русский художник белорусского происхождения, сценограф и дизайнер по костюмам. Его балетные декорации называли «пиршеством для глаз» и «симфонией цвета». Костюмы благодаря цвету, текстуре и орнаментам подчеркивали пластику и грацию актеров. Одной из лучших оформительских работ Леона Бакста стала «Шехеразада». Увидев декорации, Александр Бенуа сказал, что именно благодаря Баксту Русские сезоны получили всемирное признание.
Николай Рерих создавал декорации и костюмы к нескольким балетам Дягилева. Особенно известно его оформление спектакля «Половецкие пляски». Рерих воссоздал на сцене пространство половецкого стана, выжженной солнцем далекой степи и выгоревшего неба. В сочетании с хореографией Михаила Фокина — Вера Красовская назвала танец половцев «бешеной вихревой пляской» — декорации Рериха передавали неистовый и буйный характер восточного народа.
Именно Бенуа работал над «Павильоном Армиды», балетной премьерой Русских сезонов. Художник не ограничился оформлением спектакля: он постоянно дискутировал с хореографом и чувствовал себя полноправным творцом художественного действа. А еще Бенуа помогал импресарио собирать творческий коллектив. По его совету Дягилев пригласил Наталию Гончарову, которая оформила один из самых ярких балетов — «Золотой петушок».
С установлением Советской власти перед искусством балета открылись качественно новые перспективы. Оставшиеся в стране мастера и молодые таланты хранили традиции русского балета, тем самым подготавливая почву для последующего обновления своего искусства.
Появились новые оригинальные балеты Глазунова «Стенька Разин»; «Вечно живые цветы» на музыку Асафьева. В годы Великой Отечественной войны в эвакуации работали ведущие мастера театров Москвы и Ленинграда, что стимулировало создание балетных трупп в других городах страны.
Сталин воспользовался имперским буржуазным искусством и превратил его в символ Советской власти. Таким образом, через искусство СССР дистанцировался от образа кровавой диктатуры.
Театр с его агитационными постановками отошел на второй план и стал лишь средством развлечения народа. Балет остался в традициях и эстетике, заложенных Петипа, так как развитие и эксперименты не приветствовались.
Балет создавался на основе исторических сюжетов или литературных произведений, которые пытались наполнить глубоким смыслом. Сцены театров до сих пор не покидают постановки советских времен: «Ромео и Джульетта», «Спартак», «Каменный цветок», «Бахчисарайский фонтан», «Золушка», «Анюта», «Анна Каренина».
Как и во многих других музыкальных произведениях советской эпохи, в балете была проведена параллель между древней историей и современной действительностью. Зритель видел в «Спартаке» не только личную драму героев, но и их социальный конфликт.
Первые две постановки в Большом театре не имели успеха у зрителей и недолго оставались в репертуаре театра. Прошло более десяти лет после создания музыки, прежде чем балет обрел свое танцевальное лицо. Третья постановка, созданная блестящим хореографом Юрием Григоровичем, стала поистине триумфальной. Его хореография дополнила яркие музыкальные образы актерскими образами, созданными мастерством танцовщиков. Эта страсть к созданию драматических образов на сцене, материализовалась в музыке, которую столь удачно дополнила постановка Григоровича. Балет получился непохожим на другие балетные произведения.
Один из самых известных русских артистов балета в мире, который остался в Канаде во время гастролей в 1974 году. Был номинирован на Оскар. Открыл ресторан «Русский самовар» в Нью-Йорке.
Прима-балерина, хореограф и актриса. Сценическую карьеру начала в 1932 году в Русском балете Монте-Карло. Сотрудничала с ведущими труппами мира.
Советский артист латышского балета. На пике карьеры Лиепа считался одним из лучших танцовщиков-мужчин в мире и одним из самых разносторонних артистов балета, который умел исполнять самые разные роли.
После распада страны и всей социалистической системы традиции, как оказалось, уже не имели никакого смысла. Мировая балетная практика давно оставила их в прошлом, современный балетный танец кардинально изменился. Тогда и началась эпоха заката русского балета.
Благодаря русским эмигрантам это искусство достигло апогея развития в США и Европе. Современный танец превратился в новую концепцию движения. Все основывалось на эстетике и, разумеется, на новаторстве.
В начале XXI века ведущие российские балетные театры, такие как Большой, Мариинский, Михайловский, вступили в период культурного обновления.
Установление контактов с зарубежными странами и приход молодых талантливых исполнителей позволили хореографам возродить русский балет, наполнив его новыми, современными смыслами и техниками.
Сегодня Русская балетная школа снова считается одной из сильнейших в мире. Балетные школы ежегодно принимают сотни иностранных учеников, которые мечтают изучить искусство танца на самом высоком уровне.
Российский артист балета и педагог, премьер балета Большого театра в 1992–2013 гг., народный артист Российской Федерации. В 2013 году решением Министерства культуры Российской Федерации возглавил Академию русского балета имени А.Я. Вагановой.
Российская артистка балета, прима-балерина Мариинского театра и Американского театра балета. Лауреат театральных премий «Приз Лозанны», «Золотой софит», «Золотая маска». Народная артистка РФ.
Российская артистка балета, прима-балерина Мариинского театра в 1995-2017 гг. Лауреат Государственной премии и Премии Правительства РФ. Народная артистка России, которую называют иконой стиля русского балета.
Борис Эйфман, создатель своего театра, своего стиля, своей балетной вселенной, которого называют «одним из ведущих хореографов мира», «потрясающим театральным волшебником». Эйфман гениально сочетал авангардные достижения балетного мира с академической школой русской классической хореографии, на которой сам вырос.
Его артистам, которые имели исключительно академическую базовую подготовку, приходилось осваивать новую пластическую лексику. Это была совершенно другая хореография, первооснова которой рождалась вместе с созданной Эйфманом труппой.
Узнаваемой особенностью, «брендом» хореографии Эйфмана является то, что практически все его постановки сюжетны и часто имеют литературную основу. Именно в человеке Эйфман видит главный предмет своего искусства, имеющего власть над сердцами людей и способного обращаться к душе. Для него балет – это способ размышления.
В 1877 году в московском Большом театре был впервые поставлен танцевальный спектакль, который сегодня знают все. На свет появился балет «Лебединое озеро». С тех пор так или иначе, но история мировой хореографии связана с волшебной «средневековой» сказкой о заколдованной девушке, влюбленном принце и злом волшебнике.
Считается, что Чайковского вдохновило посещение Баварии, где композитор увидел знаменитый Нойшванштайн — «лебединый замок» короля Людвига Второго. К слову, декорации к классическим постановкам до сих пор изображают готический замок в горах.
Первый спектакль 1877 года, который поставил посредственный московский балетмейстер Рейзингером, получил плохие отзывы и фактически провалился. Второе рождение балета произошло в 1895 году в Петербурге.
За балет взялись два выдающихся балетмейстера Императорских театров Мариус Петипа и Лев Иванов. Хореограф придал сценическим лебедям облик, близкий к современному — без бутафорских крыльев с наклеенными перьями. Взамен этого он ввел «танцы рук».
Роль Одетты исполняли самые известные русские балерины Тамара Карсавина, Анна Павлова, Агриппина Ваганова. Эта роль принесла всемирную известность Майе Плисецкой, величайшей русской балерине второй половины ХХ века. Она исполнила две роли в одной постановке, нежную Одетту и ее демоническое альтерэго Оделию.
В 1969 году Юрий Григорович создал свою версию «Лебединого озера». В спектакле Большого театра он сохранил фрагменты Петипа, Иванова и Горского. Но не смог поставить желанный трагический финал: от него — по идеологическим причинам — потребовали хеппи-энда. Лишь много лет спустя хореограф осуществил изначальный замысел. Григорович мыслил мотивом двойников: Злой гений стал вторым «я» положительного героя, маячащим у принца за спиной. В 1984 году Рудольф Нуреев поставил собственную версию балета в Париже. Во многом он перекроил балет под себя, добавив Принцу много танцев, сосредоточив внимание именно на нем, а не на балерине, как традиционно было ранее.
В конце XX века на мировых сценах появились разные версии «Лебединого озера». Они не были связаны ни с классическим танцем, ни с прежней традиционной постановкой. В поисках новых смыслов хореографы отказывались от общепринятого сюжета. Волшебная сказка становилась отправной точкой для разного рода рефлексий на острые проблемы современности. Балет нередко ставился с помощью разных техник танца-модерн и так называемого «современного танца».
Британский постановщик Мэтью Борн известен балетом, в котором все лебеди — мужчины. Он сделал это не с целью эпатажа. «Лебединое озеро» 1995 года — гуманистический и светлый спектакль с полностью оригинальной хореографией. Действие происходит в наши дни, а в визуальных реалиях балета многие узнали Великобританию. Это притча об одиночестве и о том, что против стаи идти невозможно и опасно, будь ты птица, обычный человек или особа королевских кровей.
Одна из последних версий — «Лебединое озеро» 2014 года в Норвежском балете. Ее автор Александр Экман воспроизвел на сцене историю первой постановки балета в России (с драматическими актерами и словесным текстом) и создал на сцене настоящее озеро, для чего понадобилось 6000 литров воды. Кульминация — драка Черного и Белого лебедя в изысканных дизайнерских костюмах.
В последние годы наряду с постановочным радикализмом набирает силу противоположное, реставрационное направление, когда современные хореографы пытаются восстановить сценический облик первых представлений балета. В 2016 году одну из ретроверсий предложил Алексей Ратманский. Была сделана попытка не только восстановить утраченные или переделанные эпизоды «Лебединого озера», но и, по возможности, музыку, костюмы, даже грим. На свое место вернулись объемная пантомима, старинный крой балетных пачек и черные лебеди в кордебалете последнего акта. Был подхвачен подлинный стиль исполнения балета а-ля «сто лет назад», подлинная манера движений.
В 2018 году исполнилось 200 лет со дня рождения Мариуса Петипа. Хореограф и педагог, он воспитал не одно поколение русских артистов, поставил более семидесяти постановок и перенес столицу балетного мира в Санкт-Петербург. Сегодня спектакли Мариуса Петипа — это золотой фонд классического наследия.
